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Jared Muralt: The Fall

Wenn auf der dritten Seite von The Fall im Radio der absolute Sommerhit Baby, Can You Dig Your Man? angekündigt wird, dürfte so manchem Leser klar sein, wer Jared Muralt zu seiner Comicserie inspiriert hat. The Fall ist das Gegenstück zu Stephen Kings The Stand, in dem Larry Underwood mit einem gleichnamigen Song einen Hit landet, doch eine 99,4 % der Menschheit tötende Seuche den ganz großen Durchbruch des Musikers verhindert.

Zentrale Figuren in The Fall sind Liam, sowie seine Kinder Sophia und Max, die miterleben müssen, wie eine Grippe-Pandemie ihr Leben grundlegend verändert. Der 1982 in Bern geborene Jared Muralt startete seine Serie zwei Jahre vor dem Ausbruch von Corona und vieles an der Geschichte wirkt prophetisch.

Heft 1

Während des Lockdowns arbeitete er unermüdlich weiter an seinem Comic und erzählte fernab jeglicher Katastrophenfilm-Hektik, wie sich die Zivilisation und vor allen das zivilisierte Leben immer mehr verabschiedete. Liam muss manche schwere Entscheidung treffen um sich und seinen Kindern das Überleben zu ermöglichen.

Ähnlich spannend wie die Story von The Fall ist auch Jared Muralts für einen europäischen Comic sehr ungewöhnliche Veröffentlichungspolitik. Genau wie bei US-Serien üblich, erzählt er seine Story in Form von einzelnen Heften mit einem Umfang von 20 bis 30 Seiten.

Sammelband 1

Wenn er drei Hefte fertiggestellt hat, veröffentlicht er diese gebündelt in Sammelbänden, die in Format eines frankobelgischen Albums erscheinen. Dabei erstaunt, wie ausgereift Muralts Grafik und Farbgebung bereits beim Start der Serie waren. Dies fiel auch den Verlagen Image und Futuropolis auf, die The Fall in USA und Frankreich (unter dem Titel La Chute) veröffentlichen.

Sammelband 3

Ende 2022 hatte Jared Muralt mit Heft 9 und Sammelband 3 bereits die Hälfte seinr Serie fertiggestellt und widmete sich erst einmal anderen Projekten. Die bisher vorliegenden Veröffentlichungen können immer wieder überraschen. So wirkte der Comic anfangs so, als würde sich die Geschichte genau – wie Kings The Stand – in den USA abspielen. Doch “nach internen Besprechungen und Zusprachen der Leserschaft“ entschied sich Muralt dafür seinen Comic in der Schweiz anzusiedeln, was bestens funktioniert.

Alle Abbildungen: © Jared Muralt

Während der Auftakt von The Fall fast schon wie ein Dokumentarfilm wirkt, arbeitet Jared Muralt im Laufe der Serie auch skurrile Momente und Figuren ein, wie etwa einen Jungen, der ständig ein Dinosaurier-Kostüm trägt. Es bleibt spannend was Liam, Sophia, Max und uns Leser noch alles erwartet.

Heiner Lünstedt

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Mort Cinder

Hauptfigur der Serie ist der nicht mehr ganz junge Londoner Antiquar Ezra Winston, der durch mysteriöse Hinweise dazu gebracht wird, das Grab eines gerade hingerichteten Mannes aufzusuchen. Bei diesem handelt es sich um Mort Cinder, der von den Toten aufersteht und mit Ezra durch Raum und Zeit reist…       

Das neue stylische Cover von Thomas Gilke passt sehr gut zur Gesamtausgabe von Mort Cinder, denn die argentinische Mystery-Serie aus den frühen Sechzigern wirkt auch heute noch zeitlos modern. Die Geschichten bieten sehr viel mehr als gepflegten Grusel. Sie stammen von Héctor G. Oesterheld, der zuvor bereits Szenarios für Hugo Pratt schrieb und diesen dadurch zu seinem Meisterwerk Corto Maltese anspornte.

Ebenfalls noch vor Mort Cinder schrieb Oesterheld die Science-Fiction-Serie Eternauta, die von einer Alien-Invasion und einem mysteriösen Mann erzählt, der seine Familie sucht. Heute ist es schwer, bei der Lektüre von Eternauta nicht an das das tragische Schicksal des Autors zu denken. Oesterheld und drei seiner Töchter sind während der Militärjunta in den Siebzigern verschwundenen.

Bemerkenswert an Mort Cinder ist auch das Artwork. Es wird sofort klar, dass der großartige Zeichner Alberto Breccia, der auch Oesterhelds Fortsetzung Eternauta 1969 zeichnete, sehr viel mehr als routiniertes Artwork abliefert. Er experimentiert mit Schwarzflächen und Grautönen. Das Ergebnis ist Atmosphäre pur.

Daher ist es gut, dass diese 260 seitige, großformatige Gesamtausgabe Breccias schwarzweiße Zeichnungen so originalgetreu wie möglich wiedergibt, wofür meist extra dafür eingescannten Originalzeichnungen verwendet wurden. Dadurch ist immer wieder Breccias Pinselduktus zu erkennen und es ist großartig, dass uns dieser Klassiker in einer optimal aufgemachten Ausgabe präsentiert wird.

Heiner Lünstedt

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Roaming – Fünf Tage in New York

Bereits die Graphic Novels Skim und Ein Sommer am See waren Gemeinschafts-Produktionen von Mariko und Jillian Tamaki. Die Geschichten stammten von Jilian und ihre Cousine Mariko brachte sie zu Papier. Die Kanadierinnen arbeiten aber auch gerne an Soloprojekten und mit anderen KünstlerInnen zusammen.

Roaming – Fünf Tage in New York ist der dritte gemeinsame Comic der Tamakis. Die Grundidee stammt diesmal von Mariko, die zehn Jahre in New York lebte. Zuvor hat sie die Metropole bereits auf einem Kurztrip mit Freundinnen erkundet. Diese Erlebnisse brachten Mariko auf die Idee die Erlebnisse von drei höchst unterschiedlichen Frauen zu erzählen, die sich ein Hostel-Zimmer teilen und auf Big Apple einlassen.

Daniele alias Dani hat sich vorbereitet und genau überlegt, was sie an den fünf Tagen sehen möchte. Ihre Kommilitonin Fiona hingegen will sich von New York überraschen lassen und “nutzlose Dinge“ einkaufen, etwa im überdimensionieren M&M´s Store am Times Square. Die dritte im Bunde ist Zoe, die schon recht bald zwischen die Fronten gerät. Einerseits möchte sie ihre gut organisierte Jugendfreundin Dani nicht verärgern, andererseits fühlt sie sich zu der unbekümmerten Fiona hingezogen, was auf Gegenseitigkeit beruht…

Den Tamakis gelingt das Kunststück, sowohl eine zwischen Komik und Drama wechselnde Dreiecksgeschichte zu erzählen, als auch die schönsten Örtlichkeiten New Yorks in den Farbtönen Lila und Apricot erstrahlen zu lassen.

Heiner Lünstedt

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Reddition 77: Comics aus der Schweiz

Die 77. Ausgabe der Zeitschrift für graphische Literatur beschäftigt sich mit Comics aus der Schweiz und hat wieder sehr viel mehr zu bieten, als auf den ersten Eindruck thematisch zu erwarten war. Natürlich gibt es bestens recherchierte und teilweise mit umfangreichen Bibliografien versehene Artikel zu den “Lokalmatadoren“ Derib (Buddy Longway), Cosey (Jonathan) und Zep (Titeuf).

Der historische Abriss über die Geschichte der Comics in der Schweiz ist bei Cuno Affolter und Urs Hangartner in den besten Händen Dabei geht es natürlich auch um den Comicpionier Rodolphe Töpffer, sowie um die immer noch sehr beliebten Werbefiguren Globi und Papa Moll, mit deren Schöpferin Edith Oppenheim-Jonas diese Reddition ein aufschlussreiches Interview enthalten ist.

Mit Berichten zur Edition Moderne zum Luzerner Fumetto Festival und dem Magazin Strapazin finden auch innovative Strömungen Berücksichtigung. Unter dem Titel Les Demoiselles Pencil – Töpffers brillante Töchter werden die Comickünstlerinnen Anna Sommer, Kati Rickenbach, Simone F. Baumann, Léonie Bischoff, Anja Wicki, Serpentina Hagner und Lika Nüssli (Starkes Ding) porträtiert.

Auch diese Reddition bietet wieder überraschende neue Erkenntnisse. Hochinteressant fand ich Falk Straubs Artikel über Jared Muralt. Dessen in den USA bei Image verlegte Endzeit-Serie The Fall wurde durch die Corona-Pandemie von der Realität eingeholt. Doch Muralt gab nicht auf und setzt alles dran, um sein auf 18 in sechs Sammelbänden veröffentlichten Heften angelegten Comic durchzuziehen.

Heiner Lünstedt

Zu bestellen unter: www.reddition.de

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Slam Dunk

Hanamichi Sakuragi hat wieder einen Korb von einer Mitschülerin bekommen. Daher hofft er beim anderen Geschlecht zu punkten, indem er selber Körbe fabriziert, um dadurch in die Basketball-Mannschaft seiner Schule aufgenommen wird. Besonders angetan hat es ihm eine gewisse Haruko Akagi, deren Bruder Takenori Kapitän des Basketball-Teams ist…

In Slam Dunk dreht sich scheinbar alles um Basketball und Takehiko Inoue gelingt es die Rasanz des Spiels durch ultrarealistische Zeichnungen zu vermitteln. Doch auch wer mit Sport nichts am Hut hat, wird seine Freude an dieser Manga-Serie haben, denn neben der auch nicht ganz unwichtigen Liebesgeschichte gibt es auch immer wieder Klamauk-Einlagen. Hier passt sich Inoues Zeichenstil an, denn seine Figuren sehen plötzlich so aus, als wenn sie direkt aus einem Funny-Strip stammen.

In Japan wurde Slam Dunk von 1990 bis 1996 als Fortsetzung im beliebtesten Manga-Magazin Shōnen Jump abgedruckt und zu einem riesigen Erfolg. Die Serie erschien außerdem in 31 Taschenbüchern. Es folgten eine Anime-Serie sowie mehrere Filme, zuletzt 2022 unter dem Titel The First Slam Dunk und 2008 unter dem Titel Shaolin Basketball Hero.

Bei uns brachte Panini 1999 zunächst nur die ersten beiden Bände von Slam Dunk heraus und wagte dennoch drei Jahre später einen Neustart, der nach acht Ausgaben endete. Jetzt startet Carlsen den dritten Versuch die Serie komplett zu veröffentlichen. Dies geschieht im Zweimonatsrhythmus und es ist zu hoffen, dass Carlsen einen langen Atem hat…

Heiner Lünstedt

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I. Astalos: MADe in Farbe

Zu den bekanntesten Werken von Ivica Astalos gehören seine schrägen Märchenparodien, die oft die Rückseite der deutschen Ausgabe des Satiremagazins MAD zierten. Nach einer komplett neugezeichneten Ausgabe seines Klassiker Das MAD-Buch der Technik, veröffentlichte  er im November 2023 – ebenfalls im Eigenverlag – eine nahezu unveränderte Neuausgabe des 1982 erschienenen MAD-Buch der Märchen, wie sie keiner kennt. Diesmal musste er nicht nochmal zeichnen, da sich alle Originale in seinem Besitz befinden.

Anschließend wollte der mittlerweile 70-jährige Astalos nach neun selbstverlegten A5-Büchern eigentlich keine weiteren MAD-Nachdrucke herausbringen, denn “die Arbeit macht zwar Spaß“, ist finanziell jedoch „nicht gerade erfolgreich“. Doch, oh Wunder, kaum war das neue Jahr angebrochen, da erschien unter dem Titel MADe in Farbe ein neues, diesmal kunterbuntes Paperback von I. Astalos

Auf Wunsch seiner Fans macht Astalos doch noch weiter und auch für MADe in Germany konnte er auf bereits bestehende Zeichnungen zurückgreifen, “da wir in den Neunzigern ein Buch mit Märchen machen wollten und ich da einiges neu gezeichnet habe. Aus dem Projekt wurde damals nichts.“ Auf den ersten 88 der 120 Seite von MADe in Germany sind neu kolorierte Versionen jener märchenhaften Farbseiten zu bestaunen, die in den Jahren 1975 bis 1995 im Deutschen MAD veröffentlicht wurden.

Außerdem enthält das Buch u. a. noch nicht minder komische Beiträge aus der Rubrik “Sternstunden der Menschheit – Was wirklich geschah“, Hinzu kommt die legendäre, altmeisterlich auf die Leinwand gezauberte Werbeparodie “Der Tag kommt, Johnnie Wackler geht“ und ein Gemälde mit Alfred E. Neumann als Superman. Beides belegt, dass Astalos nicht nur in jenem wiedererkennbaren Stil zeichnen konnte, den MAD-Chefredakteur Herbert Feuerstein mit den Worten “gut gemeint, aber unsicher im Strich“ bei ihm bestellt hatte.

Das nächste Astalos-Buch ist bereits in der Mache: “Aus aktuellem Anlass folgt in Kürze was zu Neonazi“. Das wird sicher alles andere als märchenhaft, doch bereits in seinem selbstverlegten Band Zarenthron Geschichten bewies er sich als Meister Madiger Satire. Seine ebenso bitterbösen wie treffsicheren Cartoons beschäftigen sich mit dem blutigen Wahnsinn, den Putin in der die Ukraine anrichtet und mit dessen lupenreinen Steigbügelhalter Schröder.

MADe in Farbe mit den zeitlosen farbigen Märchen-Klassikern, sowie die anderen Werke von Astalos, können hier direkt beim Erzeuger bestellt werden. Wer sich auf diese Rezension beruft, dem zeichnet I. Astalos ein ähnlich schönes Bildchen wie das Obenstehende in das Buch.

Heiner Lünstedt

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Big Guy and Rusty the Boy Robot

Während es vom Comic Hard Boiled bereits drei deutsche Editionen gibt – die erste davon erschien bereits kurz nach der US-Veröffentlichung – , hat es bei der zweiten, optisch nicht minder beeindruckenden Zusammenarbeit von Frank Miller und Geof Darrow knapp drei Jahrzehnte gedauert, bis sie endlich auch bei uns erschienen ist.

Cross Cult hat sich große Mühe mit der Veröffentlichung von Big Guy and Rusty the Boy Robot gegeben. Mit Das Monster vom Unabhängigkeitstag ist noch eine zweite neunseitige Story mit den Robotern enthalten, die Darrow auch getextet hat. Hinzu kommen zwölf schöne “historische“ Cover, die angeblich zwischen 1959 und 1997 entstanden sind, sowie Illustrationen von Todd McFarlane und Joe Quesada.

Daher kann behauptet werden, dass sich das Warten auf die deutschsprachige Edition gelohnt hat. Doch es sei auch angemerkt, dass es nicht Frank Millers Skript ist, das den Reiz dieses Comics ausgemacht. Ohne die sensationelle Grafik von Darrow und die nicht minder großartigen Farben von Dave Stewart hätte die mit bekannten, meist aus Japan stammenden, Versatzstücken jonglierende Story albern gewirkt.

Big Guy and Rusty the Boy Robot wurde 1995 bei Dark Horse in zwei 32-seitigen Comicheften veröffentlicht, die mit 24 x 32 cm genau dasselbe Großformat wie die Edition von Cross Cult hatten. Die Story in Band 1 besteht fast ausschließlich daraus, dass ein in einem Labor versehentlich entstandenes riesiges Reptil durch Tokio wütet und die Bewohner verspottet und in Monster verwandelt.

Nachdem sowohl der Einsatz der japanischen Armee als auch des kleinen Roboters Rusty keine Resultate bringt, sendet der japanische Premier einen Hilferuf in Richtung USA. Das zweite Comicheft erzählt vom zunächst ebenfalls erfolglosen Einsatz des US-Roboters Big Guy, der seinen ersten Auftritt in Mike Allreds Serie Madman hatte und gut bewaffnet von einem US-Flugzeugträger in Richtung Tokyo startet…

Wie bereits gesagt, bietet die Story kaum etwas, was nicht bereits in Godzilla-Filmen zu sehen war. Doch obwohl dort die Tricktechnik schon lange nicht mehr auf Männer in Gummikostümen setzt, können auch die besten Computeranimationen nicht bei der detailwütigen Bildgewalt von Geof Darrow mithalten.

Heiner Lünstedt

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Cinema präsentiert 100 Jahre Walt Disney

In letzter Zeit hat Panini allerlei Filmbücher veröffentlicht, die von “Europas größter Film-Lifestyle-Zeitschrift“ Cinema zusammengestellt wurden. Ich persönlich war sehr positiv von dem in dieser Reihe erschienenen Buch Inside James Bond überrascht, da es auch inhaltlich punkten kann.

Beim ersten Durchblättern von 100 Jahre Walt Disney kam wenig Vorfreude auf. Schon nach wenigen Seiten waren Bilder aus Disneyland, König der Löwen und der Hamburger Musical-Inszenierung von Die Eiskönigin zu sehen. Das weckte ungute Erinnerungen an die von Thomas Gottschalk moderierte Disney-Jubiläumsshow auf RTL, die sich nur am Rande mit der Historie der Company beschäftigte.

Doch das Cinema-Buch wird dem auf dem Cover verkündeten Anspruch gerecht, den “Weg vom Maus-Haus zum Entertainment-Giganten“ zu beschreiben. Allerdings ist es nicht ganz einfach diesen auf 24 Seiten beschriebenen Weg zu folgen. Dieser wird immer wieder von “Facts, Hintergründen und Interviews“ unterbrochen, die offensichtlich völlig willkürlich vom Layouter im Buch platziert wurden.

Der Großteil des Buchs beschäftigt sich jedoch – thematisch durchaus passend – mit den “100 besten Filmen“. Dabei wird der Begriff „Disney“ sehr großzügig ausgelegt und auch Produktionen aus den Bereichen Pixar, Classic Hollywood, Marvel, Star Wars oder 20th Century (Fox) berücksichtigt werden.

Die 100 Filme erhalten auch eine Bewertung, wobei es nicht allzu kritisch zugeht. Bereits Reinhold Reitberger schrieb 1979 in seiner bei Rowohlt erschienenen Bildmonografie zu Walt Disney, dass – nachdem Richard Schickel in The Disney Version am sauberen Studio-Image gerüttelt hatte – sich künftige Autoren, die auf eine ansprechende Bebilderung Wert legen, im Text “drauf angewiesen sind, sich eine gewisse Mäßigung aufzuerlegen.“

Daher hält sich auch dieses Buch zurück und beschreibt (und bebildert) eher die positiven Aspekte und die gelungenen Filme. Bei aller Kritik an der Auswahl der besprochenen Filme – inklusive meiner Verwunderung darüber, dass die erste Version von Arielle, Cinderella, Bambi oder Lilo & Stitch in der Bewertung nur vier von fünf Punkte erhalten haben – möchte ich mich auf diesem Wege noch dafür bedanken, dass auch ein Film Aufnahme in die Top Hundred fand, der mit bisher völlig entgangen war.

2022 erlebte mit Chip und Chap: Die Ritter des Rechts auf Disney+ ein Film seine Premiere, der auf der gleichnamigen Zeichentrickserie mit den bei uns als Ahörnchen und Behörnchen bekannten Nagetieren, die Mitglieder einer tierischen Rettungstruppe sind. In der neuen Filmversion agiert das Duo in unserer realen Welt ist, wobei Chip weiterhin eine Zeichentrickfigur ist, während Chap als 3D-Animation-Auftritt. Das Resultat ist ein ziemlich verrücktes und tricktechnisch spektakuläres Update von Roger Rabbit, wobei  der Hase auch einen Gastauftritt absolviert.

Heiner Lünstedt

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Chris Scheuer: Buch I

Bereits 1984 auf dem 1. Internationalen Comic-Salon in Erlangen wurde der Österreicher Chris Scheuer als „Bester deutschsprachiger Comickünstler“ ausgezeichnet. Seinerzeit überraschte er immer wieder mit beeindruckend in einem eigenen Stil gezeichneten Comics wie Marie Jade oder Sir Ballantime.

Doch leider wurden diese nicht von Scheuer geschriebenen Stories nur sehr selten seiner großartigen Grafik gerecht. Für einige Jahrzehnte gab es in der Comicszene kaum ein Lebenszeichen von Scheuer. Erst 2019 kam es zu einer Art Comeback. In gleich drei Bänden adaptierte Scheuer unter dem Titel Reiche Ernte Kurzgeschichten seines Landmanns Matthias Bauer. Zudem illustrierte er dessen für ein junges Publikum geschriebenen Vampir-Roman Vollmondnächte.

Für mich waren die Storys der Reiche-Ernte-Trilogie die ersten wirklich lesbaren Comics von Chris Scheuer, wobei aber auch klar war, dass hier noch sehr viel Luft nach oben ist. Doch jetzt hat Scheuer endlich einen Autor gefunden, der seinen beträchtlichen Talenten wirklich gerecht wird: Sich selbst.

Scheuer schreibt über ein Thema, das ihm wirklich am Herzen liegt und in dem er sich wirklich sehr gut auskennt. Unter dem schlichten Titel Buch I erscheint der erste Band einer sehr lässig zu Papier gebrachten Autobiografie. Im Gegensatz zu so manchem grafischen Selbstdarsteller, hat Chris Scheuer – genau wie Ulli Lust in Heute ist der letzte Tag vom Rest deines Lebens – wirklich etwas zu erzählen.

In Buch I lässt der 1952 in Graz geborene Scheuer auf 120 Seiten die ersten zwanzig Jahre seines Lebens Revue passieren. Zwar nennt er seine Hauptfigur schlicht Sch., doch es ist davon auszugehen, dass seine Erlebnisse, etwa mit einem prügelnden Priester im Internat, ratlosen Pädagogen, die es eine Weile zuließen, dass einige ihrer Schüler im Klassenzimmer wohnten, den Drogenerfahrungen, dem Knastaufenthalt oder den Reisen kreuz und quer durch Europa ohne einen Schilling in der Tasche, halbwegs wahrheitsgetreu zu Papier gebracht wurden.

Die traurige Wahrheit ist, dass dieses Buch nicht mit angemessenen Stolz von einem etablierten Verlag veröffentlich wird, sondern hierzu eine Crowdfunding-Kampagne vonnöten war. Diese organisierte dankenswerterweise Achim Schnurrer, der Scheuers Comic völlig zurecht mit diesen Worten lobt: “Der Mann hat in seinen ersten zwei Jahrzehnten nicht nur mehr erlebt, als viele Menschen in ihrem ganzen Leben; er hat es auch auf eine Weise zu Papier gebracht, die alle vom Hocker haut und das nicht nur einmal, sondern auf jeder Seite – immer wieder.“

Für 50 Euro gibt es bei der edition aleph von Scheuers Buch I eine sehr schöne auf 100 Exemplare limitierte Hardcoverausgabe mit Lesezeichen, Schutzumschlag und handsignierten Holzschnitt.

Heiner Lünstedt

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Reddition 78: Das Spirou-Magazin in den 1980er Jahren

Die 78. Ausgabe des Fachmagazins Reddition beschäftigt sich nicht zum ersten Mal mit dem Journal de Spirou. Im Zentrum der Zeitschrift für graphische Literatur stehen einige Künstler, die das seit 1938 bestehende Comicmagazin und die frankobelgische Comiclandschaft in den Achtzigern entscheidend geprägt haben.

Dazu gehören zweifelsohne Tome & Janry, die von 1984 bis 1998 die Traditionsserie Spirou erfolgreich fortgeführt haben. Das Duo rief zusätzlich noch die als Album doppelt so erfolgreiche, nur bedingt jugendfreie, Serie Der kleine Spirou ins Leben.

Zeitweise erzählten mehrere Künstler oder Teams gleichzeitig und in unterschiedlichsten Stilen Geschichten aus dem Spirou-Universum. Dazu gehören die in dieser Reddition porträtierten Zeichner Bernard Hislaire alias Yslaire, Frank Le Gall (Theodor Pussel) oder Frank Pé (Jonas Valentin), der nach einem Szenario von Zidrou mit Die Bestie einen erstaunlichen Comic mit dem Marsupilami zu Papier brachte.

Bemerkenswert ist in diesem Zusammenhang aber auch der aktuelle Asterix-Zeichner Didier Conrad, der gemeinsam mit dem vielseitigen und äußerst produktiven Autor Yann (Gringos Locos, Spirou: Operation Fledermaus) die weder mit brutaler Action noch mit Sex geizende Serie Helden ohne Skrupel (Les Innommables) ins sich eigentlich an junge Leser wendende Spirou-Magazin schmuggeln konnte.

Erster Auftrii von Les Innommables

Die Reddition beschäftigt sich ausgiebig mit Conrad, Yann sowie der interessanten Publikationsgeschichte von Helden ohne Skrupel, deren dreizehn Bände auch bei uns erschienen sind. Einmal mehr gelang dem Team vom Herausgeber Volker Hamann ein liebevoll aufgemachtes und reich bebildertes Magazin, das auch Kennern der frankobelgischen Comicszene neue Erkenntnisse bescheren dürfte.

Heiner Lünstedt

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